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LEGO DC Batman: Asuntos familiares (2019)

Batman, Robin y otros famosos superhéroes reciben una misteriosa invitación. Lo que ellos no saben es que dos de sus más grandes enemigos se unieron para deshacerse de ellos, de la familia que cuida a Ciudad Gótica.

Dirigida por Matt Peters, “LEGO DC Batman: Asuntos familiares” es una divertida comedia de acción animada que saca lo mejor de la combinación de sus marcas: el dinamismo y humor de las películas de LEGO y el rico espectro de personajes que DC Comics tiene para ofrecer. El resultado es un film sumamente entretenido por el que desfilan algunos de los personajes más reconocidos del universo del Hombre Murciélago: desde Dos Caras y El Pingüino hasta Capucha Roja y Nightwing, entre muchos otros.

El sol también es una estrella (2019)

Daniel, un romántico con dudas sobre su futuro, salva a Natasha, una joven que descree en el amor, de ser atropellada. Contra todo pronóstico y sin tiempo que perder, una inesperada conexión se producirá entre ellos.

Basada en la novela del mismo nombre de Nicola Yoon, “El sol también es una estrella” es una conmovedora historia de amor moderna. Protagonizada por dos jóvenes actores del mundo de las series, Yara Shahidi (“Black-ish”) y Charles Melton (“Riverdale”), la película se apoya en su material de base para explorar temáticas como la inmigración, el libre albedrío, el azar y el destino. Dirigida por Ry Russo-Young (“Si no despierto”), “El sol también es una estrella” está ambientada en la ciudad natal de su directora, una luminosa New York.

Los juegos del hambre: Sinsajo – Parte 2 (2015)

Junto a Peeta, Finnick y otros valientes rebeldes, Katniss Everdeen se prepara para marchar hacia el Capitolio, en defensa de los 13 distritos. La caída del presidente Snow es inminente: la batalla final se aproxima.

Dirigida nuevamente por Francis Lawrence, “Sinsajo – Parte 2” es la cuarta y última entrega de “Los Juegos del Hambre” y la segunda de las dos adaptaciones de “Mockingjay”, el libro que clausuró la popular saga de Suzanne Collins. Elogiada por su potente banda sonora, trepidantes secuencias de acción y destacable elenco multiestelar (el cual incluye a Philip Seymour Hoffman en uno de sus últimos papeles), la película alcanzó el primer puesto de la taquilla internacional y lo retuvo durante unas cuatro semanas consecutivas.

Vicio propio (2014)

California, años 70′. Doc Sportello, un detective privado en decadencia, se compromete a investigar tres casos que, extrañamente, están unidos por la desaparición de su exnovia. Doc no tardará en meterse en problemas.

Basada en la novela homónima de Thomas Pynchon, “Vicio propio” pareció significar un inusitado cambio de rumbo para el talentoso y siempre inclasificable Paul Thomas Anderson. Sin embargo, lo que a primera vista parecía presentarse como una mera comedia psicodélica escondía, en verdad, algo mucho más complejo: un film provocativo e hilarante, una extraña carta de amor al final de una época, una fiel traducción de la peculiar narrativa de Pynchon y, además, un cuidado estudio de personaje en torno al que, sin dudas, será recordado como uno de los seres más carismáticos y memorables de la filmografía de Anderson: el hippie devenido investigador privado interpretado por Joaquin Phoenix. Nominada a dos Premios Oscar, la película cuenta además con las actuaciones de Josh Brolin, Benicio del Toro y la bella musa del indie folk Joanna Newsom, entre otros.

Nos habíamos ratoneado tanto (2013)

Documental que explora los años del destape argentino, fenómeno referido a la aparición de desnudos completos en distintos medios de comunicación, sin censura alguna, tras la vuelta de la democracia en 1983.

Dirigido por el periodista Marcelo Raimon, este interesante film relaciona la llegada del destape sensual junto al nuevo despertar político que sucedió en la Argentina en los 80′, y suma un interesante análisis sobre el deseo y los medios de comunicación en el país.

Luna nueva (2009)

Edward decide abandonar Forks luego de un inesperado accidente que pone en peligro la vida de Bella, quien pronto cae en depresión. Su amigo Jacob intentará consolarla, aunque él también esconde un peligroso secreto.
Dirigida por el actor, guionista, productor y director Chris Weitz (“Operación Final”), la primera secuela de la exitosísima saga basada en los best-sellers de Stephenie Meyer repite su elenco estelar adolescente liderado por la talentosa Kristen Stewart (“Atrapada en Guantánamo”) junto a Robert Pattinson (“Recuérdame”) y Taylor Lautner. Nuevamente, la adaptación estuvo a cargo de la guionista Melissa Rosenberg y, en esta oportunidad, el responsable de la banda sonora fue Alexandre Desplat, prestigioso compositor francés ganador del Oscar por su trabajo en “El gran hotel Budapest” (Wes Anderson, 2014).

Pese a cierta reticencia por parte de la crítica, los fanáticos de la saga recibieron con entusiasmo esta nueva entrega y la película se convirtió rápidamente en un éxito de taquilla mundial, llegando a ser la película con mayor recaudación en el día de su estreno, luego superada por su propia secuela “The Twilight Saga: Eclipse” (David Slade, 2010).

Nacido para matar (1987)

Un pragmático marine de los Estados Unidos observa los efectos deshumanizantes que la Guerra de Vietnam ejerce sobre él y sus compañeros, tanto en su brutal entrenamiento militar como en el sangriento campo de batalla.

Basado en la novela “The Short-Timers” de Gustav Hasford, “Nacido para matar” es un potente, lacerante, audaz y, por momentos, cómico (el humor negro característico del director se inmiscuye en varias escenas) retrato de los horrores de la Guerra de Vietnam. Estructurada en dos actos complementarios, la película narra primero el alienante e inhumano entrenamiento que los cabos interpretados por Matthew Modine y Vincent D’Onofrio deben atravesar, para luego transportarnos de lleno a la Ofensiva del Tet, específicamente a la devastada ciudad de Hue, donde los soldados deberán sobrevivir en un frente de batalla muy parecido al infierno. Nominado al Oscar en la categoría de mejor guión adaptado, fue el último film de Kubrick que el propio director vería estrenado en cines (falleció días antes del estreno de su último film, “Ojos bien cerrados”).

La balada de Narayama (1983)

Las reglas de la aldea son simples: al llegar a los 70 años uno debe escalar la montaña Narayama y esperar la muerte allí. Sabiendo que su hora se acerca, Orin hará todo lo posible por mejorar la vida de su familia.
Ambientada en una aldea japonesa del Siglo XIX, “La balada de Narayama” no solo es una de las películas más conocidas de la rica filmografía de Shohei Imamura (“Lluvia negra”). Es, también, una obra profundamente poética y apasionada, oscura e introspectiva. Montando las brutales condiciones de vida de los habitantes de la aldea con pequeñas pero significativas viñetas de la fauna del lugar, el film lidia con el concepto de la muerte y la finitud de la vida con una sutileza y elegancia pocas veces vistas en otros filmes. Basada en el libro “Narayama bushiko” de Shichiro Fukazawa y libremente inspirada en el film homónimo de Keisuke Kinoshita, “La balada de Narayama” resultó, además, la gran ganadora del Festival de Cannes de 1983, alzándose con su preciada Palma de Oro.

Mad Max 2 (1981)

Los habitantes de un pequeño pueblo desértico son asediados por una horda de violentos motociclistas que desean robar su preciada gasolina. Todo pareciera indicar que “Mad” Max Rockatansky será su única salvación.
Aún más intensa, excitante y espectacular que su antecesora, “Mad Max 2” no solo es una de las mejores secuelas jamás hechas, es también una de las mejores películas de acción de la historia. Ambientada nuevamente en la querida Australia post apocalíptica de George Miller, la película abraza arquetipos característicos del western (la frontera, la comunidad indefensa, los bandidos, el héroe recio y cansado, etcétera) para dar rienda suelta a su lograda extravagancia visual, una violenta distopía llena de adrenalínicas persecuciones, intimidantes villanos y un protagonista hecho a la medida de Mel Gibson. Un éxito de taquilla mundial ampliamente elogiado, además, por su trepidante ritmo, diseño de producción, banda sonora (a cargo de Brian May) y la fotografía de Dean Semler.

El castillo Vogeloed (1921)

Una fiesta de aristócratas es interrumpida por la llegada del Primer Conde Oetsch, a quien todos acusan de haber asesinado a su hermano. Él no solo lo niega sino que también promete encontrar al verdadero asesino. Una de las primeras y más escalofriantes películas de F. W. Murnau. Un inquietante e hipnótico film erigido sobre la fina línea en la que lindan el terror y el suspenso psicológico, y en el que ya pueden vislumbrarse varias de las marcas autorales de su director, así como también su característico estilo expresionista. Con un clima verdaderamente asfixiante, un contenido registro actoral y múltiples flashbacks y secuencias oníricas, el film anticipa algunas de las operaciones que Lang desarrolló y perfeccionó en sus películas posteriores, particularmente “Nosferatu”: mientras que en él la figura del Conde Orlok operaba como encarnación del mal, en “El castillo Vogeloed” tal entidad se encuentra, en cambio, internalizada y manifiesta en el lugar de la acción, por ejemplo. Asimismo, el film es en buena medida recordado gracias a la memorable escena de la pesadilla que sufre uno de sus protagonistas, la cual dialoga directamente con aquellas de “Nosferatu” y “Phantom”.

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